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Análisis de la pintura contemporánea en México a partir de la obra de cinco artistas: Fabián Ugalde, Marco Arce, Boris Viskin, Lorenzo Ventura y Daniel Lezama.

         La pintura ha sido un medio que ha dominado las artes visuales históricamente. Por más de quinientos años ha mantenido un protagonismo, después de haber estado subordinada a la arquitectura principalmente. Las discusiones en torno a ella se han ocupado a lo largo de los siglos y hoy en día las transformaciones por las cuales pasa y los nuevos lenguajes que trata de incluir necesariamente reformulan una postura ante esta disciplina.

       Friedrick Hegel (filósofo alemán, 1770-1831) ante su postura filosófica fue el primero en hablar abiertamente de “la muerte del arte”; hecho por el cual el hombre debía de superar para ir desmaterializándose hacia una realización plena del espíritu. Por lo tanto, hablar de la muerte del arte es aniquilar a la pintura, la escultura, la música y todas las disciplinas artísticas. Esta idea fatalista y teleológica fue mostrada hace doscientos años. Sin embargo, el arte sigue  y está en el mundo, en una realidad inmediata, buscando caminos, mas los destinos son inciertos.

       El arte se ha conservado en una línea de perseverancia, y en especial la pintura ha persistido sus jornadas. Otros ataques contra la pintura llegan por medio del punto de vista tecnócrata que dice que nuevos medios la sustituyen, como fue el caso cuando surgió la aparición de la fotografía hace unos ciento cincuenta años. No obstante, existen algunos pintores que han cambiado el medio de manera interesante, enfrentando tecnologías tanto en la abstracción como en la figuración, ya sea de forma directa o de manera más sutil. Resulta irónico el mundo de las tendencias; cuando surgió la música electrónica se decía que el rock había muerto. Frank Zappa[1] dijo alguna vez: “El jazz no ha muerto, sólo huele chistoso”. De la misma manera la pintura no ha muerto, sólo huele chistoso. Es curioso, siempre que la gente declara un medio “muerto”, instantáneamente se vuelve underground y así empieza a recobrar vida.

       Muchos artistas y críticos se apresuraron a declarar la muerte de la pintura hace algunas décadas, cuando el auge de conceptualismo hacía pensar que aquella forma de expresión pertenecía a un tiempo pasado. Lo cierto es que, a pesar de que las luces apuntaran hacia otras manifestaciones y prácticas, nunca se dejó de pintar.

       Hoy en día la pintura ha sido relegada a un plano ambiguo entre el desprecio, por que se quiere asumir que ya no es una forma contemporánea de expresión, y la condescendencia, porque es lo único que entienden los públicos no especializados como lenguaje de investigación plástica. Al mismo tiempo, ningún sistema artístico de representación puede reclamar el sitio de importancia que tuvo la pintura los últimos quinientos años.

       ¿De dónde se deriva esta ambigüedad que provoca la pintura? Para los distribuidores y promotores de lo que se cree que debe ser la vanguardia plástica: directores de museos de arte, curadores, críticos, galeristas de arte contemporáneo, la pintura se ha convertido en algo asequible para el ojo en tiempos donde las narrativas significativas se encuentran concentradas en los videojuegos, el cine, la televisión y los medios de comunicación masiva, incluida la red electrónica. ¿Es cierto esto? No del todo. La pintura es probablemente uno de los medios contemporáneos más eficientes para plantear problemas de representación, narrativas simbólicas, discursos filosóficos y crítica de la realidad. Esto no invalida la importancia que tiene la fotografía, el cine y cualquier forma de grabado, videoarte y sobre todo, la literatura. En todas estas formas de representación también se evocan los mitos, la pasión y las emociones humanas, pero el conjuro de la obra única e irrepetible que provoca la pintura la mantiene es ese estado de atracción y rechazo permanente. La pintura es un lenguaje visual tan contemporáneo como cualquier otro; que los pintores no tengan un discurso contemporáneo es otro problema. Es una rama difícil de las artes visuales, quizá el área más explotada y explorada, y por ende, en la que es más complicado hacer un trabajo original. Sin embargo, la pintura ha defendido casi por completo lo que se entiende por arte y sigue siendo la disciplina más entendida y aceptada por el espectador y el público en general.

       El artista visual Hugo Lugo menciona: “La pintura nunca ha muerto, solamente en la actualidad se ha ido mezclando con otras disciplinas, además está sucediendo una regresión a ella, todavía tiene mucho por aportar, de tal manera como las demás disciplinas clásicas del arte”. A continuación se reúnen una serie de análisis y reflexiones sobre la obra pictórica de cinco artistas contemporáneos mexicanos. Todos ellos relativamente jóvenes (menores de cuarenta años), todos partícipes en las principales bienales de México y en algunas extranjeras, ganadores de becas. Cada uno representa una manera original de entender la pintura, sus obras hablan de un territorio creativo inagotable, capaz de asumir la sensibilidad de sus perspectivas y el temperamento de cada uno.

 Fabián Ugalde

       Su trabajo hace pensar que es un simple heredero del pop, pero se sitúa más en la línea de autores que han escogido como punto de partida el mundo de los comics, y en este caso particular, el de los comics vistos en la televisión y su claro origen norteamericano. Según Ugalde: “los personajes de las historietas provienen de un sistema lleno de fallas y perfectible por donde se le mire”[2]. Trabaja bajo signos y señales convencionales que articulan un mundo iconográfico. Sus personajes son desarrollados para causar un impacto visual y seducir en primera instancia. Explota los mecanismos formales que hacen fácil e inmediato su reconocimiento (la riqueza cromática, la sencillez de la línea, las sombras y efectos con los que se consiguen lo volúmenes) para explorar sus límites. Los personajes y figuras quedan plasmados en las pinturas con trazos completos y colores tan brillantes como planos. Algunas obras poseen leyendas con una especie de vocación por el cartel. Los materiales que utiliza Ugalde para sus pinturas no son convencionales: usa tinta serigráfica (polivinilo) sobre vinil. La calidad de sus pinturas parece industrial, posee una sensación impresa que se destaca por las grandes áreas de colores uniformes, es un trabajo hecho a pincel, pareciera que hay un trabajo que se niega en su ejecución, una pincelada que desaparece, que se dice como algo hecho fuera de las convenciones de lo pictórico pero dentro de sus lineamientos formales.

Fabián Ugalde, Máquina de aplausos, 2006.
Polivinilo sobre vinil. 

 Marco Arce

       En un juego inteligente, su obra cuestiona la estructura establecida en torno a postulados, el consumo y la posmodernidad. Se apropia de obras y figuras emblemáticas de la historia del arte y hace uso del repertorio de imágenes reconocibles contemporáneas. Recontextualiza, yuxtapone y recicla imágenes en series que cuentan e ironizan historias reinterpretadas, fragmentadas e inacabadas. Arce es un ejemplo de artista que trabaja con materia prima tradicional e utiliza la tecnología directa para crear. Prescinde del video y la fotografía tanto como la pintura y el lienzo o papel. Está formalmente alineado con los proyectos donde utiliza los avances técnicos directamente y de manera sutil. Posee un impulso subversivo en su obra y a la vez trata de desarrollar nuevos niveles de significado en la yuxtaposición de diversas obras del pasado inmediato. La obra de Arce es una historiografía visual de obras canónicas de prácticas artísticas contemporáneas.
  

 Marco Arce, Esqueleto con muro detrás, 2006, acrílico sobre papel.  

Boris Viskin      

       Como todo artista, es un creador que va haciendo series donde va tocando ciertas temáticas y preocupaciones. Lo curioso es que, Viskin es un artista ecléctico, porque cada serie que va produciendo va siguiendo caminos de cambios, tanto de materiales como de estilos y técnicas. Maneja magistralmente la abstracción y la figuración. Nunca ha sido un pintor lineal en el sentido de seguir una fórmula y llevarla hasta el final. Pareciera que sus creaciones son más bien rebotes esquizofrénicos de distintas partes de su personalidad. Está en constante experimentación en el sentido de materia, forma y contenido. Los elementos que guían sus obras se depositan en planos de significación muy literal, conceptual o puramente pictórico (color). Representan una inestabilidad que dan una analogía con los tiempos actuales, donde es difícil conservar una identidad propia sin que ésta no sea interrumpida, violada o despojada. Pero también posee una gran inquietud de poder abordar los campos más variados para un enriquecimiento de sabiduría y conocimiento para un futuro propio lleno de expectativas artísticas.

  Boris Viskin,”Autorretrato”, 2006
encáustica y madera s. madera
153 x 123 cm

 Lorenzo Ventura

       Este autor utiliza cuestiones concernientes a lo social, la moral, la ética, la economía y la política. Genera conexiones y degenera temas y motivos dentro de este léxico. Es un artista de fuerte crítica social. Caricaturiza de manera delirante factores de vivienda urbana, va creando con su obra una bitácora de la vida cotidiana actual en las ciudades de este país. Reúne la protesta social, emite un discurso político de forma visual-plástico. Su fuente iconográfica proviene de la galería urbana viva. En sus obras suelen aparecer perspectivas múltiples; sus personajes están generalmente acometiendo actos bizarros. Mayormente sus trabajos configuran paisaje, urbe y sujetos. Trabaja con materiales clásicos pero con contenidos que interesan en la actualidad. Lorenzo Ventura, recurre a un cromatismo mínimo, el blanco, el negro y poco color; para la realización de su diario plástico cuenta con varios soportes –pintura, dibujo, gráfica- para referir a la soledad, la violencia, el anonimato, la discriminación y todo aquello que se vive en las grandes concentraciones urbanas.

Daniel Lezama

       La obra de Lezama es estrictamente pictórica y con un peso de narrativa visual. Posee un aire de antigüedad que es generado por su claroscuro similar al tenebrismo, por la teatralidad de sus figuraciones y por la invisibilidad de la pincelada. La aplicación de materiales clásicos (óleo sobre lienzo) no implica que Lezama no sea un pintor definitivamente contemporáneo. Su propuesta estética ofrece una visión sobre la historia de México, su iconografía e idiosincrasia. Sus protagonistas son personajes del mundo indígena y mestizo actual, envueltos en situaciones de ensoñación sexual, de excesos, vicios, homicidios y parafilias. Entonces, hablar de este artista es hablar de nuestro tiempo. Esto, en principio, es decir, que su obra cumple con una condición esencial: la de definir de un modo u otro el presente. Es sin duda, uno de los artistas más presentes en la escena contemporánea; no sólo eso, su presencia es una de las pocas que no necesitan justificarse, un caso raro, basta con ver su trabajo.

Daniel Lezama, The Venus, the Rebel, 2002
240 x 195 cm.,  óleo sobre lino.

      En cierta ocasión el artista bajacaliforniano Álvaro Blancarte dijo: “La pintura siempre retoma su camino, la matan pero ella es cíclica. Los que solamente piensan atacan al hacedor que un homo habilis y se olvidan que también es sapiens”. La pintura como práctica sigue siendo perseguida por esqueletos de tiempos pasados. Los polémicos del siglo XXI todavía intentan desacreditar su viabilidad, aunque en vano, y a menudo estos críticos suenan tan anacrónicos como sus apreciaciones de la pintura, que, aunque parezca extraño, le hacen eco al discurso de los últimos años del siglo pasado. Ya todo ha sido dicho sobre la pintura, entonces ¿cómo se aborda desde una postura lejana? La pintura no va a desaparecer, ahora más que antes, hay muchos artistas que la incluyen en su práctica. Pero tiene que evolucionar desde una posición más social y radical. No puede quedar en lo decorativo. Seguirá habiendo artistas que pinten y que asuman la pintura como una disciplina vital en diálogo con las otras que conforman el panorama actual del arte. Siempre habrá tela de donde cortar en la pintura. Se asuma uno como pintor o no, de una u otra manera la pintura forma parte del vocabulario de casi cualquier artista y está intrínseca en el ser esa necesidad creadora plástica, forma parte de ser integrales.

       Con la recapitulación de estos cinco artistas mexicanos, se puede advertir que la exploración en la pintura se está haciendo patente tanto en el ámbito materia-forma como en el concepto o contenido de fondo. El poder de convocatoria es constante y muy abarcable en cada sector. Son prueba de una buena salud del género pictórico poseedores de vigor y de propuestas interesantes.

        El arte es quizá, una de las expresiones más elevadas de nuestra cultura occidental y representa el grado sumo del desarrollo, alcanzando por nuestra civilización contemporánea. En su muy diversas formas, el arte es capaz de trasmitir el discurso de nuestras ideas, la forma de nuestros sueños, el matiz de nuestra percepción del mundo y la sensibilidad que se desprende de nuestra existencia diaria. Si aunado a ello hacemos del arte un vehículo para ayudar a otros, para encauzar el esfuerzo de muchos y procurar que vivamos en forma solidaria, como parte de una colectividad, entonces habremos honrado la premisa de que el arte, efectivamente, es una de las formas más laudas de nuestra sociedad actual. Prueba de ello ha sido la pintura que ha tenido un peso histórico desde la prehistoria.

   NOTAS

[1] Cuevas, Tania, “Apuntes acerca de la pintura”, La Tempestad, vol. 8, núm. 51, noviembre-diciembre 2006. p 84.

[2] Maldonado, Alfonso, “Selección de artistas emergentes para coleccionistas”, Cuarte pared, núm. 6, abril-mayo 2007, pp. 102-103.

   Cuevas, Tania, “Apuntes acerca de la pintura”, La Tempestad, vol. 8, núm. 51, noviembre-diciembre 2006. pp. 84-103.

    Gutiérrez, Mónica, “Una nueva forma de pintar: Boris Viskin”, Espacios, núm. 52, noviembre-enero 2006, pp. 72-75.

    Monsiváis, Carlos, “Daniel Lezama: pintura, narrativa, pintura”, Movimiento actual, año XIII, núm. 126, febrero 2002, pp. 8-9.

    Zamudio Taylor, Raúl, “Marco Arce”, Art Nexos, vol. 2, núm. 44, abril-junio 2002, pp. 122- 123.

Hoy en día se suscita un grave problema en el mundo del arte, y las soluciones no llegan, las teorías se contradicen para resolver tal problema, por esta razón es necesario abordar el tema y dar sus posibles soluciones; abordar cual fue el inicio del arte y cual es su importancia.        

En algún lugar de este planeta hace miles de años surgió un suceso que solo a una especie animal (homo sapiens) beneficiaria; con el tiempo este suceso produjo un cambio radical y sobre todo un sentido totalmente distinto en cuanto a la vida biológica ya existente hasta ese momento; ya no dominaría el animal mas fuerte al mas débil, solo surgió algo que logró romper la inmediatez, algo dentro de ese animal, sucedió la representación. Se crearon  nuevas formas de vida, el lenguaje, los conceptos, el “arte”; desde ese momento hasta hoy ese animal se autonombra ser una especie superior  a las demás, ser un ser humano. Como lo menciona Jaime Cuanalo: “Esto trae como consecuencia lógica que el acto de representar, es el primer e indispensable paso en la construcción de eso que llamamos humanidad. Y que además es el punto de origen a partir del cual surgirán los demás componentes de esa humanidad, como la razón, la tecnología, etcétera”. [i] 

Esto significa que desde un principio el ser humano esta íntimamente ligado con el “arte” este ha sido un medio  por el cual puede evolucionar, sobrevivir, dominar a las demás especies. Pareciera absurda esta postura pero realmente el  “arte” nos hace diferentes a los demás, nos hace creadores, y no hablo de una creación hecha puramente de la nada, sino de una creación intelectual, que hace que la materia tenga un sentido. Retomando  nuevamente  a Jaime Cuanalo: “El acto de representación será entonces auténticamente creativo, o creador, pero no de materia o energía, por que esas como tales no se crean ni se destruyen, si no de formas, de síntesis de información, que es lo único que puede crearse”.[ii] Así el acto de crear  es  un proceso de observación sensorial y su objetivo principal es  el de informar, de comunicar la realidad que aun no es conocida; nos informa lo que sucede a nuestro alrededor, sucesos que pasan tan rápido que es complicada su completa observación. Por esta razón el arte tiene un sentido en la vida humana. Retomado nuevamente a Jaime Cuanalo: “No debemos olvidar lo que el arte es y ha sido durante la mayor parte de la historia humana, la búsqueda de la comprensión y el dominio de la realidad a través de nuestra facultad imaginativa. De tal suerte, la palabra arte designa aquello que, sin ser la naturaleza crea”. [iii] 

En una visión general diría que el arte ha quedado perdido en el laberinto de la realidad, sus progenitores, los seres humanos lo han confundido, trasgredido y sobretodo avasallado; a través de la historia se ha hecho mas turbia y se ha olvidado que dio origen al arte. La filosofía y las demás ciencias han denominado al arte por siglos la consecuencia de la razón, de los conceptos convencionales, incluso se a perdido el origen etimológico de la palabra arte y se le ha resignificado, esto produce graves problemas  en la evolución y sobre vivencia del hombre, ya que sigue y sigue repitiendo su realidad, en vez de crear una nueva. Pareciera que no tiene relevancia resolver el problema que hoy se vive  con la de definir lo que es arte, pero en realidad la respuesta siempre a existido, y desde sus inicios hasta hoy el arte es sigue siendo lo mismo.

Se toma como pretexto que el arte no se puede definir por que a través de la historia han surgido muchas formas físicas (obras de arte) que no comparten nada en común, pero como menciona Herbert Marcuse: “Todo arte pertenece a un lugar y a un tiempo, y es expresión de unos hombre que también tuvieron sus preferencias”.[iv] Esto quiere decir que arte no se define en la forma física, si no en su proceso, el proceso creativo, el que maneja el intelecto.Bien lo dice Siqueiros: “Jamás exaltar la forma por una razón simplemente plástica… seria una exaltación puramente estilística, si no hacerlo por razón de un elemento temático, ligado naturalmente a un hecho emocional plástico”; [v] Y de hecho este emocional plástico que menciona Siqueiros es el que se ha ido perdiendo, y que incluso el los museos y galerías no se exhibe. El postmodernismo trajo la decadencia al arte, tomo conceptos y los tradujo en imágenes, no creó nada nuevo, en referencia nuevamente de Jaime Cuanalo: “Y el gran error de los teóricos postmodernos es identificar la palabra y el fenómeno, cuando el fenómeno esta dado por la realidad y la palabra es puesta allí por nosotros de forma arbitraria y convencional”.[vi]  Y aunque parezca absurdo, cuando hay problemas en el arte, hay problemas en la vida humana, se crean conflictos, que los fines materiales no pueden resolver. Como dice Alejandro Jodorosky: “Aprendí que no puede haber creatividad efectiva si no la acompaña una buena técnica, también que la técnica, sin arte, destruye la vida”.[vii] Esto sucede si el arte no comunica la realidad que puede ser percibida mediante los sentidos. Dicho por Orozco: “el arte es el conocimiento al servicio de la emoción”.[viii]

Naturalmente todo se percibe por los sentidos, pero el ser humano tiende a buscar emociones nuevas, obviamente en nuestros tiempos los medios masivos de comunicación se han encargado de saturar  a los sentidos, con información ruidosa que de pronto no tiene ninguna utilidad. Por esta razón el arte muestra de manera sensitiva la realidad (de los fenómenos no conocidos) para llegar así a una evolución y no quedarse estancados en el mismo ruido social. Bien lo menciona Jaime Cuanalo: “La inteligencia racional es por tanto convencional y temporal, habrá de ser redefinida regularmente en la medida que nuestra realidad convencional es redefinida por la creación de formas nuevas”. [ix]Partiendo de estos fundamentos se puede comenzar a definir de manera etimológica lo que es “arte”, desde sus inicios hasta hoy el arte es “la facultan humana de crear”. Y como ya se menciono anteriormente no de materia ni de energía, si no de información, retomado nuevamente a Jaime Cuanalo: “… el arte es siempre un proceso y nunca una `cosa`, pero que este proceso tiene como función fundamental la de producir referentes materiales para posibilitar el análisis y la convencionalización. Esto quiere decir que no hay arte sin obra, aunque la obra en si no es el arte sino el producto del arte”. [x]  En palabras de Hegel: “Lo que decide, tanto en el arte como en todas las obras humanas, es el contenido”[xi] ,  así obra y contenido van unidas, por lo tanto se tiene la certeza de lo que es “arte”.

Pero no se parte de una postura Hegeliana, ni estética, ya que lo bello  como tal es un concepto y predetermina el resultado del proceso artístico.El punto es que si se toma el arte como tal, muchos “artistas” importantes a través de la historia serian devaluados y sobre todo los contemporáneos no podrían justificar su trabajo como arte. Todos los psicólogos, filósofos, diseñadores y demás serian apartados del mundo del arte y eso es poco conveniente para lo que hoy se vive en este mundo.

Es demasiado tajante pero muchas obras desde sus inicios hasta hoy son obras meramente históricas y no artísticas, esto es comprensible en sus inicios, ya que en la época del medioevo, del renacimiento, etc., muchos artistas y artesanos, mas que producir obras artísticas eran registradores de sucesos importantes, es bueno ya que así sabemos como era el mundo de esos tiempos, un ejemplo es la pintura hecha por David Teniers, el Joven inmortalizó en varios cuadros la colección de arte del archiduque Leopoldo Guillermo de Austria, para quien trabajó como pintor de cámara. Uno de ellos es el de la imagen, pintado en 1651, que se conserva en el Real Museo de Bellas Artes de Bruselas, Bélgica.  Solo fue unos de los tantos registradores de su época, al servicio de la burguesía, y obviamente no se menosprecia su habilidad para la ejecución técnica de sus obras, pero como ya se mencionó con anterioridad no comunica nada nuevo, solo registra sucesos de su época. Eje.

Y aunque estos ejemplos  son de siglos pasados, son muy claros para explicar la diferencia entre uno y otro; también se encuentran otros ejemplos muy claros en el siglo pasado y en este nuevo siglo que son los que rigen a la sociedad de esta época, como lo es Pablo Picasso que es un ejemplo  muy efectivo para mostrar lo que es arte, ya que este va mas aya de la forma convencional, explota otras formas plásticas, y sobre todo de contenido, muestra un lenguaje completamente nuevo. Un ejemplo de sus grandes obras es La Guernica, eje.

 Guernica(1937, Óleo s/ lienzo, 349 × 776,6 cm, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid)

Un ejemplo de lo que se basa en los conceptos ya convencionalizados y sobre todo recurrente en los últimos años en el arte fronterizo de México, que recurre a formas físicas ya exploradas tomando como temática la frontera, y los problemas sociales que produce la migración de México hacia los Estados Unidos, es la obra de Melisa Areola en su  “Absolut Ilegal”, en el cual nuestra un contenido recurrente y muy ya conocido mundialmente; y algo muy importante, el artista no tiene contacto directo con esta problemática, solo observa desde lejos, y repite lo que ya se sabe, muy probablemente podría tomar los mismos recursos y comunicar situaciones que envuelven al tema migratorio  sin caer en lo ya conocido, y así mostrar una obra interesante, que pueda lograr una reflexión contundente en el espectador.

Estos son unos de los tantos ejemplos  que muestran lo es y no es arte, y es entendible ya que se vive en una sociedad fragmentada donde todas las opiniones son validas; Esto no es algo negativo, ya que nos sirve para darnos cuenta, experimentar, equivocarnos y así aprender, aprender y ser mejores, si mejores artistas. Estaremos de regreso a casa cuando se de un reinicio en el “arte”, y dejar atrás los errores y tomar en cuenta lo aprendido  y seguir creando para seguir evolucionando.Pero no hay que confundir el arte con el diseño por que el arte no pretende realizar una comunicación conceptual-formal, ni con la propaganda por que tampoco pretende realizar una comunicación conceptual discursiva. A pesar de las críticas que han hecho quienes equivocadamente asocian comunicación con concepto, las obras de arte son exactamente eficaces para comunicar lo que pretenden comunicar: una cierta configuración de estímulos destinada a producir una reacción emotiva significativa. Y finalizando con Jaime Cuanalo: “El arte, por su parte, no es un proceso mecánico, sino un proceso intelectual; no es un proceso de transformación, si no un proceso de creación”.[xii]  Así desde sus inicios hasta hoy el ser humano es un creador, por tal razón el arte no muere ni morirá, mientras la sociedad humana exista en este mundo. Por que al final cuando la humanidad deje de existir no habrá sucedido nada para el universo,  en palabras de Frederich Nietzsche: “…hubo una vez un astro en el que animales inteligentes inventaron el conocimiento. Fue el minuto mas altanero y fatal de la << la historia universal>>: pero, al fin de cuentas, solo un minuto. Tras breves respiraciones de la naturaleza el astro se helo y los animales inteligentes hubieron de perecer”.[xiii] Así solo el ser humano  es el inventor de la realidad y el esta encargado de mantenerla viva y sobretodo actualizada para que así pueda seguir existiendo; y el “arte” es la herramienta principal para que esto suceda. El “de regreso a casa” es para recuperar eso que nos hizo seres humanos, aprovecharnos de nuestra posición y mirar hacia atrás, observar por que llegamos tal lejos y sobre todo seguir hacia delante  y lograr ser los súper hombres, ser más, ser mejores, no dejar que el astro se hele y los animales inteligentes perezcan.  

[i] Cuanalo Jaime, Arsologia, México, no publicado. Pág. 28

[ii] Ibíd. Pág. 21

[iii] Ibíd. Pág. 64

[iv] Marcuse, Herbert, “el arte como una forma de la realidad”, en Toynbee, Arnold J. et al., Sobre  el futuro del arte, Manuel Arbolí  Gascón (Trad.), México, extemporáneos, 1981, pp. 127-141. Pág. 131

[v] * Carrillo A. Rafael,  Pintura mural en México; México ed. Panorama editorial S. A., tercera edición – 1985 Pág. 98

[vi] Ibíd. Pág. 72

[vii] Jodorosky Alejandro, la danza de la realidad; México ed. Nueva edición de bolsillo  2004. Pág. 152

[viii] * Ibíd. Pág. 98

[ix] Ibíd. Pág. 26

[x] Ibíd. Pág. 30

[xi] De Michelí, Mario, Las vanguardias artísticas del siglo XX, Ángel Sánchez Gijón (versión). Pepa linares (trad.), México ed. Alianza editorial 1979. Pág 19.

[xii] Ibíd. Pág. 55

[xiii] Nietzsche, Frederich, sobre la verdad y la mentira en el sentido extramoral; Simón Royo Hernández (trad.) www.tijuana-artes.blogspot.com   Pág. 17   

Raul Iduarte Frias

  Creo que es muy común ya, a pesar de que una persona no tenga cierta  experiencia en relación con el circulo plástico, identificar un cierto tipo de obras visuales que mantienen un parentesco entre si,  que guardan una gran relación entre ese hoy fragmento que se llama temática o justificación de la pieza, mas el medio como técnica que se utilice, ya sean llamados tradicionales, vanguardistas o cualquier otro método de nuestra contemporaneidad. Me refiero a grandes rasgos a  la temática socio-cultural, mas concretamente al aspecto socio-político, local, conflictivo, popular, Tijuana, hibridación, la línea, el rol de la mujer, Juárez, inmigración, maquiladoras, etc.., en sí aquellas obras que parecen en ocasiones haberse dado cuenta del contenido ideológico sobre sus espaldas y tratan de hacerlo evidente  o que tal vez funcionan como medios para concienciar e informar al espectador . 

Este análisis no es una investigación informativa, informativa tal vez de los sucesos trágicos y terribles  de la frontera y otros temas , tampoco es un enfoque en los artistas directamente que se sienten atraídos por estas cuestiones, sino más bien en las obras visuales que se arraigan fuertemente a  este tipo de información o tema. Dando por hecho desde mi postura que todo arte es político, y que este  tipo de obras son un fragmento de lenguaje que intenta ser concentrado en una obra visual, lenguaje manipulado a través del artista y los medios de que dispone, y que tiene tal vez por cuestiones prácticas, que comunicar al lector dicha idea. Creo que en la medida en que la obra comunica una cuestión ante el espectador y el carácter a comunicar por parte del artista no logró transfigurarse en la obra, aún con toda la libertad que el arte contemporáneo confiere, podría deducir que es un acto mediano, lo cual analizaré más adelante, y como la cotidianeidad de la frontera y otras circunstancias son en la realidad terribles, mi pregunta es en que grado pueden ser potentes estas obras en relación a la temática que abordan o que tan eficientes son como discurso.

Para llegar a la síntesis visual que se concentra en esta  categoría plástica, voy a hacer n breve recorrido a manera de hechos históricos que van a venir a desembocar a través del artista actual en dichos trabajos, por una parte el acto social, o sea, la idea de la ciudad conflictiva, de fusiones, de violencia, etc. (la temática, podría decirse, o lo que significan las obras), y por otro el aspecto formal, a partir del cual se supone todo esto se transmite, la materia, el aspecto, la técnica que concluye en una forma visual, y que puede percibirse como históricamente continúa en una especie de búsqueda y que se manifiesta más libremente en su propio rechazo en algunos movimientos radicales a través de la ruptura vanguardista.

 El 2 de Enero  de 1864 se nombró al primer  juez del lugar que sería Tijuana. En 1846 con motivo de la guerra México-Estados Unidos, inicia la marina de guerra de E.U. la invasión de las californias, lucha desigual donde México tras consultar al Congreso y a los gobiernos de la Republica se vió obligado a formar el Tratado de Guadalupe-Hidalgo el 2 de febrero de 1848,  perdiendo mas de la mitad de su territorio.  Después de 1848 es zona fronteriza  y pasa a ser parte de la Baja California y un camino obligado para llegar al interior de la península.  Fue en 1911 cuando Tijuana ingresa a la historia con derecho propio, a principios de mayo de 1911 la población contaba  con no mas de 100 casas, tomadas por asalto por un grupo de mexicanos y extranjeros, comandados por los hermanos Flores Mag♠ón, que tenían la intención de hacer de Baja California una republica socialista independizada de México.. Tijuana se cerca con un muro fabricado con los restos de la primera invasión norteamericana en Irak, como un acto anti inmigración, donde han muerto mas de 2600 personas registradas debido a la proximidad de Tijuana con los Estados Unidos,  y a la extensa y barata mano de obra, la ciudad es atractiva a compañías extranjeras que establecen parques industriales, grandes plantas ensambladoras y fabricas llamadas maquiladoras, las grandes empresas toman provecho del Tratado  de Libre Comercio para exportar sus productos de vuelta a los EU. y otros países. Para el 2001 se contaba con alrededor de 820 de estas. Gran parte de la actividad cultural y artística gira entorno a una idea de identidad fronteriza, abordando el rincón norte con discursos de un lugar de mestizaje, fusión de culturas, hibridación y demás términos que se alían en cierto grado a las tendencias contemporáneas, en calidad de términos. Algunos rasgos recurrentes son de violencia, narcotráfico, asesinatos populares, etc…  

   Intervención grupo “Yonke”

Las vanguardias, radicales, han heredado a las obras visuales contemporáneas una gran libertad  de lo “modos de hacer” arte,  como una serie de liberación de las convenciones naturalizadas, un desgajamiento entre conceptos y formas, entre objetos y significados, el libre manejo de lenguajes, etc… Y un profundo análisis plástico desde la perspectiva cultural. Las nuevas definiciones recaen en obras visuales de dificultosa categorización plástica por involucrar mas de una supuesta categoría artística, y debido al carácter ultra individual que resulta a últimas instancias incuestionable aparece la toda acepción, desaparece la búsqueda de lo novedoso, se dirige a las cuestiones ideológicas predominantes en relación con su contexto y ubicación, se tiene la noción de experimentar con el manejo de distintas técnicas, medios y procesos, además predomina la temática social y cultural, entre otras cuestiones.   Creo que son los puntos a los que pretendía llegar para poder analizar de esta manera lo  que se involucra según mi punto de vista en estas obras y tal temática, la índole temática critica social local me parece en muchos de los casos ajena a la obra, digamos como forma que a su vez contiene ya ciertos significados por los elementos de los que se compone o estructura así como todo un contenido ideológico intrínseco de trasfondo.   Lo que quiero decir es que la obra significa por sí misma, aunque suene a algo como de antaño, pero lo pretendo observar desde la perspectiva del espectador y no del artista, por más que el artista quiera resignificar su obra, lo único que realiza en la realidad es un intercambio de palabras, como llamar manzana a un vaso, el observador de la obra necesita reconocerla desde un punto práctico, identificar conceptos es la manera como trabaja la percepción, y da origen a sus significados, aniquilar su practicidad resulta absurdo.  “Es incorrecto extraer del sistema elementos particulares y relacionarlos directamente con  series similares pertenecientes a otros sistemas sin tener en cuenta su función constructiva,”1    

                                     Feminicidios

El valor distintivo de estas obras es en la mayoría de los casos un gesto critico y de inconformidad con los quehaceres sociales, pareciera contener un sentido comunitario o de concientización de cierta problemática, la respuesta según mi posición es que en la gran mayoría de las obras o tal vez las mas festejadas se encuentra encubierta una realidad fronteriza o social y todos sus conflictos, su historicidad y su cotidianeidad siempre actual, que creo no es tocado por estas obras sino mas bien las vuelve un icono popular, siendo tal vez el muro el protagonista estelar, o tal vez solo las ideas divertidas de lo híbrido, de la fusión de culturas, y demás, ¿ que es una obra visual de cartón, de pigmentos, de plástico, de sonidos, ya sea una escultura, una instalación, un performance, un happening, etc., comparado con un comprometido documental, que como transmisión de información es mucho mas completo y real de lo que me puede dar una obra concreta?, ¿ que es una de estas obras que intentan sensibilizar a la gente y hacer conciencia comparadas con las fotos tal vez periodísticas de las personas asesinadas o muertas en la travesía migratoria o los asesinatos de Juárez? Las obras pueden, claro, ir acompañadas de una hoja o un papel, o por el texto curatorial señalar la información que las obras no pueden dar, las complementa, ya sea esta temática u otros, el papel o rol social de la mujer por ejemplo, es precisamente donde encuentro como lo he señalado a lo largo del escrito una deficiencia en la obra, un agotamiento en su propia idea constructiva. Aunque tal vez el texto forme parte de la obra, como lenguaje que es el arte, en la mayoría de los casos los créditos se los llevaría este, en un rango de comunicación, corto aun comparado con el desempeño social de una noticia o un reporte crudo, sin miedo y sin preocupaciones por revelar la realidad, sin miedo a no ser considerado como una obra de arte. “ Ocurre frente a ciertos ejemplos del arte contemporáneo que una vez entendido lo que la obra quería decir y una vez entendido gracias a las declaraciones preliminares o el ensayo critico que sirve de introducción a la obra – no quedan ya ganas de leer la obra y se tiene la impresión  de que aquella nos a dado ya todo lo que tenia que darnos, mas aún, que la lectura, visión o audición de la obra pueden en el fondo desilusionarnos, dándonos menos de lo que su abstracta concepción nos prometía y, dentro de sus limites , nos daba.”2.. Por  otra parte creo que la realidad social necesita mucho más que realizar arte que raya entre lo confuso experimental o lo real informativo, ante tal cuestión imagino que si el artista tomara la causa en su complejidad, la explotara en su cotidianeidad y transmitiera a la sociedad lo que con sus capacidades sensibles y perceptivas pudo recaudar, lograría en realidad una labor digna de admiración, aunque tal vez pierda su título categórico social de artista. 

 1- J. Tinianov, “ La noción de construcción”, p.85

2.-Umberto Eco, “Dos hipótesis sobre la muerte del arte”, p.2

Actualmente, y esto es en la última década al presente, vivimos bombardeados de imágenes y de información visual que nos saturan constantemente, y esto es a través de los medios de comunicación existentes. El street art es una manifestación que nos ofrece imágenes mas sutiles (en algunos casos), contemplativos y en su mayoría agradables a la vista, al estar expuestos en las calles, deja el elitismo a un lado y nos dice que los fines no son meramente lucrativos, como en otro tipo de tendencias artísticas, y éste es una manera de llevar el arte a espacios que son transitados por mucha gente, y hechos de una manera económica. 

Creo que este fenómeno global cumple su función con la sociedad a medida de favorecerla, mas en la actualidad con todo lo que se esta viviendo, y el hecho de llevar el arte a la calle, manifestar ideas y exponerlas, nos enseña a detenernos a observar nuestro entrono, tanto social, como político y cultural. Es una herramienta radical de comunicación con la cual contamos gracias a ciertos artistas cuyo interés es difundirnos este tipo de imágenes que engloban una serie de información que en algunos casos es de suma importancia con un contenido fuerte, y en otros casos con imágenes puramente decorativas, que al igual es totalmente valido ya que necesitamos de este tipo de imágenes, con fines positivos, en pro algo, y que le de un giro con un toque de alegría a la ciudad.  

Podemos encontrar en las calles obras de arte que en las galerías no vemos, una gran parte de la población no tiene esa educación o bien, interés, de visitar galerías, éste medio busca llevar el arte a la sociedad y aportarle por lo menos un pequeño conocimiento, y no espera que la sociedad lo busque a el.  

El arte urbano es cualquier tipo de arte desarrollado en espacios públicos, esto es “en las calles”, el término street art usualmente se refiere a arte de naturaleza ilícita, como oposición al gobierno. Es una práctica que abarca muchas manifestaciones como el pintar en las calles con grafitti, stencil, sticker art, empastado, street poster art, proyección de video, intervenciones, e instalaciones, hasta un estilo como stickers, costumización de zapatos, tablas de skate, etc. Típicamente, el término es usado para distinguir el arte contemporáneo  en espacios públicos del graffiti territorial, vandalismo y arte corporativo. 

Técnica de Poster art, por Judith Supine, en la cual pega su arte utilizando un medio de poster y tambien por medio de carton

Su discurso es social y espacial, con el cual combina ideas en un tanto políticas y socioculturales con la arquitectura, el espacio público, diseño urbano, teorías de la ciudad, espacio social, etc. funciona como mediador cultural.  

Los objetivos y motivaciones que impulsan a los artistas urbanos son variados entre cada uno de ellos. Hay un fuerte contenido de activismo y subversión en el arte urbano.  Éste,  puede ser una plataforma muy poderosa para llegar al público, los temas frecuentes como mencioné pueden ser subversivos, como la abolición de la propiedad privada, el reclamo de las calles, demostrar ideas contestatarias (en su mayoría en contra del gobierno, de la política o de algún problema social que se este viviendo), otras pueden ser como una marca personal en el ambiente, como decoración con algún fin meramente estético, como propaganda, publicidad ya sea del mismo artista o de una marca en particular; por otra parte, otros artistas urbanos ven simplemente el espacio publico como un formato destapado, en blanco o como un lienzo para su arte personal, mientras que otros aprecian los retos y riesgos que implican la instalación ilícita de arte en espacios públicos. 

En los últimos años, lo que solía ser una estrategia de intervención se ha vuelto más sofisticado y con fines no meramente contraculturales, desde campañas comerciales (adidas, ecko, vans) hasta cierto tipos de propuestas de intervención como los de Space invaders, Fafi, Kinse, Os Gemeos. 

Algunos ejemplos de Fafi y Os Gemeos, con propuestas de marketting para campañas comerciales de Nike y Adidas 

Ahora bien el tema universal en la gran mayoría del street art, es la adaptación del arte visual a espacios públicos, el cual permite a los artistas alcanzar un público más amplio que el arte tradicional y que las galerías normalmente les permiten. 

Actualmente tanto el stencil como el  Graffiti llegan a las galerías y los museos, y las piezas son vendidas en subastas y en reproducciones. Se han vuelto una buena inversión. Esto, esta generando un discurso muy fuerte sobre la pérdida del valor de la obra callejera al momento de entrar al museo. Como en todo hay diferentes opiniones. Creo que es simplemente una de las tantas vías de mostrar el arte y tratar de llegar a diferentes esferas públicas y diferente gente. Aquí podemos encontrar a unos de los artistas más importantes dentro de la escena del street art, Banksy y Shepard, estos artistas como otros más, exponen su trabajo tanto en las calles, como en museos y galerías.  

Ellos han popularizado el street art como herramienta comercial y artística, la temática que abordan el es muy conceptual en el que aparte de tener una técnica única propone una crítica y hacernos pensar.  

Una de las técnicas mas utilizadas es la del stencil, el cual es un recurso para informar gráficamente, de manera rápida y económica. Aunque al stencil generalmente se le ha atribuido una idea vinculada la mayor parte a la difusión de ideas contestatarias (por lo que suele ser un arma de la guerrilla art), se ha convertido en un estilo gráfico, en moda y en un método de propaganda. En la historia del stencil se puede ver que en México, por ejemplo, se ha utilizado desde los años cuarenta, sin embargo, fue con el arte pop donde adquirió otra connotación, cumpliendo una función artística..  

Guerrilla art 

Guerrilla art es un movimiento de arte urbano que empezó en el Reino Unido, pero de ahí  se expandido alrededor del mundo y ahora se ha establecido en la mayoría de los países que han desarrollado escenas importantes de graffiti. Es un tipo de street art que abarca de manera más activa y agresiva la adaptación al espacio público. Se debe al movimiento temprano del graffiti, a tal grado que en los Estados Unidos guerrilla art sigue siendo comúnmente referido como “post-graffiti art”. 

Este tipo de arte difiere de otras formas de arte por el hecho de la desaparición de barreras externas entre imágenes y el entorno. Mientras que la pintura tradicional puede ser movida de una galería a otra sin verse afectada; el street art es ambiental, la superficie a la cual es aplicada es tan fundamental para el significado de la pieza hasta lo que le es aplicado. Sin las dinámicas de la vida moderna, guerrilla art es reducido al ‘arte por el bien del arte’, y  será de acuerdo definido como ‘lo que es’ en oposición con ‘lo que hace’. 

La producción de guerrilla art se enfoca en la causa y efecto, no la pieza por si sola. Intenta producir un efecto dentro de las personas que viven dentro del entorno que es alterado. No intenta necesariamente producir arte con un significado por si solo.  

El street art y las galerías Dentro del arte urbano existen diversos colectivos, en su mayoría están formados por artistas importantes dentro del ámbito  del arte urbano. Aquí encontramos tales como el wooster colective, spank the monkey, blublu, os gemeos, the graffiti Project, space invaders, entre otros mas. 

Aquí vemos el graffiti project, hehco por Os Gemeos, Nina Pandolfo y Nunca, artistas brasileños, trabajando en la fachada de un castillo en Escocia.

El colectivo spank the monkey, es un colectivo en el que participan varios artistas importantes del street art, en el que intervienen en un galería al igual que en la ciudad, con intervenciones adóc con el espacio. Muchos artistas, al igual que como sucede cuando hay ferias o bienales importantes de arte, aprovechan este tipo de eventos para decorar la ciudad con su propia marca personal. 

Creo que a pesar de que el street art es “de la calle”,  en la actualidad muchos de los artistas no están peleados con el rollo de las galerías o museos, pero la urbe les sirve como un pretexto para presentarse y exponer sus ideas al público y es aquí donde provocan un impacto en la sociedad y son invitados a otro tipo de intervenciones en  espacios institucionales. Es como pasaba en los sesentas con el land art, el propósito era sacar el arte de las instituciones, y no importaba lo efímero que fuese, simplemente que éste fuera expuesto, y la documentación con el tiempo fue requerida por diversos museos e instituciones artísticas alrededor del mundo, pero el objetivo principal de los artistas no era pertenecer a las instituciones, sino simplemente exponerlo y documentarlo.  

Street art-land art y sitio específico 

A través de los años este fenómeno global se ha ido transformando y cambiando de fines, al principio fue salirse de los museos, y hacer de las calles una galería, en donde podían expresar sus ideas libremente, obtenían un reconocimiento y se apropiaban de los espacios públicos. Ahora se ha ido en un gran porcentaje por el lado del marketing, de la publicidad y de la propaganda. 

Al igual que el land art, el arte urbano es de naturaleza efímera y laboriosa, dependiendo del caso. Pero el Land art a diferencia no sobrevive el paso del tiempo, ya que desaparece debido a la erosión del terreno, la lluvia, las mareas o porque el propio artista desarma su obra una vez cumplido su propósito. Son trabajos directamente con la naturaleza. Muy pocas personas pueden observar directamente el Land art y sus obras quedan completamente fuera del circuito comercial; sólo llegan a ser conocidas por el público a través de registros fotográficos y fílmicos, mapas o dibujos que se exponen en museos y galerías, o se venden a coleccionistas privados. Esto provoca que el Land art permanezca dependiente del museo o galería para darse a conocer, a pesar de la decisión del artista de rechazar los espacios institucionales, cerrados o privados, y evadir las reglas impuestas por ellas al igual que el street art. 

Ahora bien existe otro tipo de intervención en espacio público, que es el sitio especifico, este a diferencia del land art y a la par del street art, se realiza tanto en espacios urbanos como en naturales, dependiendo de las ideas que éste quiera exponer, y del contexto en el que lo quieran mostrar, es mas crítico y directo, y el land art es mas romántico e indirecto. 

En relación directa del street art con el sitio especifico, van a la par a manera que los dos van adóc con el espacio sobre el cual es expuesto, son dedicados a su ambiente, al contexto de su sitio siendo dirigido y determinado por éste. 

Estos tres tipos de manifestaciones artísticas van relacionados en gran medida con el espacio público y natural, y van dirigidos a la sociedad fuera de instituciones, como mencione anteriormente. Son un medio por el cual se exponen ideas tanto críticas como románticas, políticas y poéticas; éstas, se convierten en experiencias tanto para los artistas como  para la sociedad en general. Mediante intervenciones con diferentes técnicas, según les funcionen mejor.      

bibliografía: Woostercollective.com, Banksy.co.uk, Wikipedia.com, Blublu.org, http://www.space-invaders.com,  http://www.thegraffitiproject.net, www.fafi.net

Verónica González

Carlos Tonatihu Avila Reyna

Desde los primeros tiempos de la historia del hombre, éste ha sentido la necesidad de plasmar y representar los aspectos que le parecen más relevantes o atractivos del mundo que le rodea, apoyándose en la utilización de distintos materiales y herramientas para conseguirlo, por ejemplo, los habitantes de la edad de piedra con sus escasos medios y conocimientos llegaron a sentir la misma necesidad de representar su entorno que experimentamos los creadores contemporáneos,  y aunque seguramente jamás lo concibieron como una forma de expresión artística, en nuestros días es considerada como tal, una muestra de esto son las pinturas rupestres ubicadas en la cueva de Altamira en las que el hombre primitivo plasmó la vida animal existente en su entorno, que hoy en día son consideradas una de las primeras expresiones artísticas conocidas.

El arte del siglo XX provocó un terremoto. La destrucción que originó se hizo a nombre de la creación. El caos en el que hoy vivimos es, en parte, resultado de ese sismo: Destrucción de categorías, rechazo de la catalogación, exaltación del impulso sobre la razón, celebración de la existencia, igualación de la vida y la muerte, el arte y la vida. Estos son los procedimientos que dan al arte moderno su carácter particular.  No obstante, la gente, el común denominador de las personas, sigue refiriéndose al arte como creación, producto de la creatividad, y sigue asociando al arte con los valores más altos de la cultura. ¿Será posible que se haya percatado de que el arte moderno es una conjura contra la sociedad, un complot contra el sistema? O será que los museos se niegan a aceptar el hecho de que sus acervos modernos son en realidad arsenales de la subversión, que pueden funcionar en contra de sí mismos? ¿Quién es más ingenuo, quién desea ocultar la cara ante el sismo o quien difunde el arte ajeno al cataclismo latente? Sentados sobre ese montón de desechos que llamamos arte moderno, escrudiñando la destrucción y sus efectos, es una manera de evaluar lo sucedido. O por lo menos eso es lo que intentan los curadores del Centro Georges Pompidou en París. Los responsables de la colección de arte moderno y contemporáneo decidieron por primera vez en la historia del museo disponer las obras de acuerdo a una visión apocalíptica del mundo y del arte. El nombre que le dieron a la exposición: La Gran Explosión (el Big Bang), un reflejo de ese estado convulso del arte y de su efecto sobre sus públicos.

El arte digital como su nombre lo dice es todo aquel que se elabora por medios digitales, creado a través de una computadora y no un soporte analógico, este puede ser trabajado por completo a computadora utilizando el hardware y software adecuado o a por medios tradicionales que posteriormente se pueden digitalizar a través de otros dispositivos que capturen y transfieran al ordenador el trabajo. El manejo de esta clase de herramientas digitales en ocasiones nos facilita el trabajo o el esfuerzo que requeriría utilizar medios tradicionales.
Los medios actuales nos permiten utilizar nuevas técnicas para alcanzar resultados que antes era más complejo no por su dificultad sino por el esfuerzo que requerido para lograrlo. Técnicas actuales nos sobran para lograr obtener resultados para los que antes hubiese requerido ser un ilustrado, y no iniciado en el arte y sus numerosas formas de expresión.

El arte digital es la utilización de herramientas basadas en la informática para expresar ideas que pueden plasmarse en diversos materiales y formatos en forma automatizada.
El arte digital ha facilitado y traído al hombre común la posibilidad de convertir rápidamente su contenido interior en expresiones que pueden ir desde lo sublime hasta lo naturalista, con poca o ninguna experiencia en previa.
Lo digital ha masificado la posibilidad de tener acceso a los 15 minutos de fama a los que todos tenemos derecho según Andy Warhol. Gracias a estos medios se generan una facilidad de creación de material artístico y su acelerada distribución-diseminación. Tenemos en cuenta que hoy en día el Internet es una herramienta elemental para el manejo de información, la difusión del arte digital a través de estos medios se ha convertido en un elemento importante para los artistas contemporáneos, la distribución de obra digital a través de los sitios de Internet facilitan una forma de dar a conocer el trabajo, incluso el comercio del mismo.

Los procesos para la elaboración de trabajos digitales son diversos y en ocasiones complejos, al igual que los medios tradicionales, estos requieren de un aprendizaje técnico tanto para manejar el software como las habilidades creativas y artísticas elementales. Existe una gran variedad de programas para trabajar este tipo de arte, son tantas las posibilidades que te brindan esta clase de medios, los programas contienen herramientas múltiples y funciones que sirven en el desarrollo de diversos proyectos creativos, desde seleccionar y texturizar objetos, hacer correcciones, diseñar, editar fotografía y video, entre muchas otras mas, todo esto logrado por medio de programas específicos diseñados para trabajar en el computador. A esto le anexamos la gran variedad de dispositivos tecnológicos especiales para manejar funciones en los medios digitales tales como tablas y plumas ópticas, cámaras, scanners y muchos otros más.

Una de las propuestas que se generan con frecuencia en el arte digital es la capacidad para crear mundos alternativos, aunque no físicos, como forma de expresión, al igual que otras ramas artísticas, pero con una realidad excepcional. En estas cuestiones se emplean técnicas diversas, como ejemplo el modelado en tercera dimensión, la programación de la física del entorno y los comportamientos de los objetos que lo componen en una representación digital. El arte digital no es una cuestión de simples gráficos, este no es dependiente solo de técnicas y ecuaciones matemáticas expresadas en forma de imágenes, como los fractales, este es un arte humano, contiene expresión de sensaciones, ideas, búsquedas personales, visiones en forma grafica y expresada usando un medio informático como herramienta, de la misma forma en la que han sido utilizados el lienzo y otros medios tradicionales. Hoy en día el arte digital se encuentra representado de muchas maneras como en el cine, los videojuegos y diversos medios audiovisuales, son espacios en los que se encuentran frecuentemente mas difundidas esta clase de obras. Los escenarios y paisajes creados digitalmente en algunos casos llevan mas horas de trabajo que muchas de las grandes pinturas mas conocidas del mundo y al igual estas, expresan tanto sentimiento, técnica, sensibilidad y dramatismo. El desarrollar estas atmósferas tridimensionales o gráficos en movimiento requiere de bastante trabajo y dedicación dependiendo el resultado que se quiera obtener.
  
  

Para muchos no es fácil en sentido teórico la problemática que supone la estética digital, como ejemplo tenemos que el taller convencional del artista ha sido suplantado por un sistema electrónico, al mismo tiempo la practica del oficio es reemplazada por la exploración y el manejo de software y programas gráficos, pero todo esto es valido, el medio digital a pesar de ser intangible tiene un conjunto de cualidades similares a las técnicas tradicionales, cuestiones de composición y conocimiento de la grafica entre otras, la ventaja del medio digital es la manipulación, repetición y serialización de imágenes de manera infinita, permitiendo una disponibilidad de elementos múltiples que alguna manera propician la transformación inmediata de la forma, los colores y significados.  

Podemos observar que en el arte contemporáneo muchos artistas hacen uso de esta clase de medios para realizar sus exposiciones y difundir su obra por el ciberespacio y este tiene una gran importancia ya que de esta forma se permite conocer el trabajo que están realizando muchos artistas alrededor del mundo.

El arte digital es uno de los medios de expresión artística vanguardista que a su vez ha adquirido bastante reconocimiento a finales del siglo XX ya que es cuando este medio se desarrolla de manera mas amplia en el entorno de las artes visuales permitiendo a los artistas trabajar ideas tecnológicamente novedosas, por estas cuestiones el progreso de los medios digitales se sigue incrementando con la finalidad de mejorar los procesos y servicios que facilitan al artista elaborar obra digital con herramientas cada vez mas sofisticadas.

Enlaces de interés:
www.ryanchurch.com/
http://digitalart.org/
www.deviantart.com

  En este ensayo me dedicaré a desarrollar dos principales cuestiones comunes en la sociedad mexicana, sobre como se observa y toma al arte en nuestra sociedad.

¿Es acaso el arte sólo para algunos? ¿Y cómo es que se desarrolla en México?
Y dentro de éstas mismas es necesario enfocarnos en elementos más precisos:

¿Es acaso el arte para aquellas personas que sus necesidades básicas están satisfechas?

O ¿para los que su nivel educativo es superior? O ¿tal vez para un grupo más exclusivo, conformado por aquellos que comprenden y saben de arte?

En sí, un diagnóstico primordial en aquello que nuestra sociedad ve como arte.

La pobreza en México
Para comenzar, la cuestión económica es determinante en cuanto a la forma de recibir el arte, ya que la gran mayoría de la sociedad mexicana se encuentra en un estado de media o pobreza extrema, por lo que no se logra mantener una calidad de vida que le permita enfocarse en otras cosas que no sean, sus necesidades básicas.

* La pobreza definida como: la insatisfacción de necesidades básicas en el individuo.

El estado económico de un país es un fuerte elemento para que la sociedad que la habita pueda obtener momentos de comodidad y ocio. Los cuales den espacio a la cultivación de facetas culturales:

“Cuando hay plenitud de pan, otras necesidades (más altas) emergen y éstas, más que las hambres fisiológicas, dominan el organismo”. Abraham Maslow. 1 En otras palabras, un estilo de vida que no logra mantener un nivel económico estable y que le permita llenar todas sus necesidades, resulta en la falta de importancia en otras facetas de desarrollo social como lo son el arte y la cultura. El individuo promedio afirma estar más preocupado y ocupado con sus diarios afanes como para otorgarle el tiempo a otras actividades, “poco provechosas” que no ofrecen una remuneración económica u otro beneficio.

Mas de 50% de los habitantes del país son pobres, debido en gran medida a la gran desigualdad en los ingresos, la décima parte más rica de la población gana más de 40 por ciento de los ingresos totales, mientras la décima parte más pobre, sólo obtiene 1.1 por ciento. Además contribuyen a la pobreza la profunda desigualdad regional y étnica y las diferencias en cuanto al acceso a la salud, a la educación y a los servicios públicos de buena calidad. Según el mismo BM, alrededor de 53% de los 104 millones de habitantes están en esta situación, un nivel de consumo por debajo de las necesidades mínimas de alimentos básicos y algunos otros bienes no alimentarios básicos. Un total de 24% de la población es considerada “extremadamente pobre”, es decir, con un ingreso insuficiente incluso para una nutrición adecuada. 2

1 Maslow, Abraham Harold), Motivación y personalidad, Madrid 1991, ediciones Díaz de Santo.
2 Vega Martínez, Luís, La pobreza en México Facultad de Estudios Superiores Zaragoza, UNAM.

La educación en México
Uno de los más importantes indicadores del grado de desarrollo de una nación radica en el nivel educativo de su población, ya que la falta de instrucción elemental de sus habitantes los lleva a considerarlos como analfabetas, es decir como personas incapaces que no saben leer, escribir y realizar las cuatro operaciones aritméticas básicas: la suma, la resta, la multiplicación y la división. Por lo tanto, una persona que no logra un estado educacional básico difícilmente se integra en eventos culturales los cuales en su mayoría, son eventos que requieren un conocimiento previo y de raciocinio. La belleza y la información inducen al hombre a la interiorización espiritual, a la forma y el pensamiento; logrado en él, el desarrollo de la sensibilidad y la flexibilidad mental para llegar al conocimiento y el trato directo de la materia.

En el XII Censo efectuado en el año 2000 el país contaba con una población total de 97,483,412 de los cuales 4,387,000, que representaron 9.0%, son analfabetas en tanto que 91.0% son individuos que saben leer y escribir.

La población mexicana no mantiene un estado de escolaridad alto, por lo que una sociedad no educada tiene menos facilidad a abstraer ideas, desarrollar conceptos; elementos básicos para desarrollarse de una manera crítica y analítica, propia de la experiencia cultural.

El Consejo Nacional de Población (Conapo) informó que a finales del año 2002, “poco más de las mujeres que son jefas de hogar no tienen escolaridad alguna o no terminaron la primaria y sólo 30% cuenta con al menos un grado de secundaria. Por lo que se refiere a los hombres jefes de hogar, 37% no tiene escolaridad alguna o no terminó la primaria, mientras que 44% ha cursado al menos un año de secundaria”.

(Mucha de la información o educación que desarrollaron los jefes de familia son acarreados por los hijos de generación en generación). 3

En el año 2000, más de la mitad de la población de 15 años o más se encontraba en condiciones de rezago educativo que en números absolutos es cercano a los 36 millones de personas. El número de quienes no cuentan con la educación obligatoria permanece constante, de acuerdo con estimaciones del INEA, 34.6 millones de mexicanos mayores de 15 años de edad a fines del 2002 se encontraban en situación de rezago educativo por no saber leer y escribir o por no haber concluido la primaria y la secundaria, además en este año 774 mil jóvenes se sumarán al déficit. 4

Pero ¿qué pasa con aquellas personas que cuentan con estudios superiores? Aun así la mayoría de las personas con “estudios” no contienen un conocimiento amplio sobre el arte, lo que nos lleva a las siguientes consideraciones.

3 http://www.conapo.gob.mx/

4 Salgado Porcayo, Raymundo, El Analfabetismo en México 1895 al año 2000, México 2007

La poca importancia del arte en la sociedad

A la población mexicana poco o nada le importa el desarrollo artístico, (lo que ocurre entorno al arte plástico y la cultura). En ocasiones observamos que las deficiencias en su concepción tienen origen en la familia y en nuestra formación desde estudiantes y poco se hace por resolverlas.

En la mayoría de las escuelas públicas, se otorgan clases de educación artística pero menos de 2% es de calidad aceptable. De igual modo, el bien conocido informe de investigación de la Fundación Calouste Gulbenkian, titulado The Arts in Schools (1982), afirma que debería darse a los temas artísticos una prioridad más destacada en el horario escolar.

“Paradójicamente hay también un acuerdo general en que la educación no se lleva a cabo de la forma adecuada: la educación artística aparece en segundo plano respecto a otras áreas del currículum como matemáticas, lectura o ciencias” (Hargreaves, 1991).

“A menudo, las artes se consideran como adornos, o como actividades extracurriculares; y, a la hora de efectuar recortes presupuestarios, entre los primeros que los padecen se encuentran los cursos o profesores de educación artística” (Gardner y Grunbaum, 1986).

Esta situación tiene su base en el hecho de que existen pocos maestros especializados en el área, los cuales tienen poca formación al respecto, sin contar que hay pocas escuelas dedicadas al arte; esto ocasiona una falta de promoción de las actividades creativas e intelectuales. En el nivel primaria se desarrollan algunas actividades artísticas, tales como coros, dibujo, bailables, pero existe una carencia en los mismos y el entendimiento de los contenidos generales de los planes y programas sobre educación artística son deficientes; los docentes “aprecian” la educación artística como una actividad importante, no obstante falta que el maestro maneje más técnicas y recursos.

Nuestra educación ha tomado mucho de los lados más deshumanizados de lo científico y lo técnico, y ha hecho un falso culto de lo racional, consiguiendo que el ámbito del arte nos parezca algo mágico, irracional e inapreciable, imposible de organizar metodológicamente y, por tanto, no evaluable. Ya que comúnmente al arte se le denomina como una actividad para aprovechar el tiempo libre, como terapia ocupacional o como relajante o tranquilizante. En este sentido, el arte pierde totalmente su importancia y pasa a un plano más bajo y sin aprecio por su verdadero significado. De igual manera, se tiene la idea de que es una actividad exclusiva, (clase alta o burguesa), ya que se considera que es muy caro estudiar arte. Esta visión es también limitada. Porque el arte es y puede ser desarrollado y disfrutado de igual forma por todos los individuos sin distinción de clase.

Pese a todas estas especulaciones, el hombre siempre tendrá una inclinación hacia lo que es bello y estético de una manera u otra. Una sociedad sin ningún elemento artístico difícilmente se desarrolla adecuadamente.

Para los que saben de arte
Hay aquí algo muy importante por desarrollar; ¿Cual es la razón del arte? ¿Cómo podemos denominar que algo es artístico y en su caso es necesario saber de arte para entender? Primero que nada ¿cuáles son las razones de ser para el arte? Los dos objetivos prioritarios de la educación artística son: la confección de objetos artísticos y la contemplación recreativa de los mismos, que a través de una obra de arte se transmite al espectador por medio de los sentidos; (en este caso refiriéndonos a una pieza plástica).

La vitalidad del arte se encuentra en los sentidos, en las emociones, en las sensaciones.

En aquello que mueve al hombre y lo hace ser. La cual es independiente de cualquier otra profesión.

Federico Nietzsche ahondó en esto, filósofo alemán del siglo XIX, estipuló que la meta máxima del hombre se encuentra en el cuerpo (las fuerzas y energía del mismo) y no en su moralidad y raciocinio.

“Instrumento de tu cuerpo es también tu pequeña razón, que llamas espíritu- humilde instrumento y juguete. Más grande es tu cuerpo y su magna razón, que no dicen “yo” sino que constituyen el “yo”.

“Lo que percibe el sentido y conoce el espíritu, nunca tiene su fin en sí mismo. Sin embargo, el sentido y el espíritu quisieran hacerte creer que son el fin de todas las cosas’ tal es su soberbia”.

“Instrumento y juguete son el sentido y el espíritu; detrás de ellos esta el propio ser. Detrás de tus pensamientos y sentimientos está un poderoso amo, un sabio ignoto que se llama el propio ser: tu cuerpo.”

“Hay más razón en tu cuerpo que en tu más profunda sabiduría” 2

Por lo tanto el arte debe dirigirse al cuerpo, es un medio de expresión y comunicación que va directo a lo sensible.

Su base es un instrumento sensible, que si no mueve y estremece es vació e inútil. Hay que regresar a lo que somos, materia. El fin del arte es mover al espectador en la forma que más conoce.

“El arte no se entiende: se vive”, Torrente Ballester.

El arte busca nuevas formas para existir bellamente. Crear posibilidades de vida. En sí una manifestación de las fuerzas. Lo más mediocre e injusto es limitar algo que es una esencia de todos, un elemento innato del hombre. El hecho de decir que hay un tipo de arte exclusivo para los que lo entiendan es lo más absurdo posible. Como si se hablara de un libro de física cuántica o una revista de política.

No es simplemente transmitir un saber, una palabra o una imagen, sino crear el espacio para que éstas surjan en el otro. Experiencia de donación y de recepción, de creación compartida.

En conclusión, es difícil adivinar el destino de nuestra sociedad en este ámbito tan poco desarrollado en nosotros mismos, pero si buscamos mejorar nuestra educación, bienestar, y creando un tipo de arte que no busque afanarse consigo mismo es muy probable que aún podamos vislumbrar un nuevo camino fresco y renovador del cual en verdad todos necesitamos.

“El arte se encuentra verdaderamente en la naturaleza y lo posee quien de ella puede extraerlo” Durero

Y, finalmente, ¿qué somos los hombres sino naturaleza?

<!–[if !supportLists]–>5 <!–[endif]–>Nietzsche, Federico, Así hablaba Zaratustra, México D.F. editores mexicanos unidos, 2005.

Bibliografía

1 Maslow, Abraham Harold, Motivación y personalidad, Madrid 1991, ediciones Díaz de Santo
<!–[if !supportLineBreakNewLine]–>
<!–[endif]–>

2 Vega Martínez, Luís, La pobreza en México, Facultad de Estudios Superiores Zaragoza, UNAM

3 http://www.conapo.gob.mx/

4 Salgado Porcayo, Raymundo, El Analfabetismo en México 1895 al año 2000, México 2007

5 Nietzsche, Federico, Así hablaba Zaratustra, México, editores mexicanos unidos, 2005.

6 Gulbenkian, Calouste, The Arts in Schools, London, 1989

7 Psicología y Pedagogía, Grijalbo, México, 1969.

8 Panofsky, Edwin, Vida y arte de Alberto Durero, alianza editorial, Madrid, 1995. (3ª edición).

Imagenes

1 Estadistica del 2000 – 2004

2 Exposicion de fin de cursos en clase de artisticas en la primaria Gabriela Mistral, 2006

3 Instalacion de Kaffe Mathews “Sonic bed”

4 Visual artists, UVA “Volume”